Eyehategod à Paris Glazart : review du concert

 Les parrains du Sludge/Doom metal de la Nouvelle-Orléans étaient à Paris la semaine dernière (mercredi 4 novembre).

Je les avais vu il y a 3 ou 4 ans en première partie de Napalm Death à la Loco, mais – set trop court et minimal – j’étais resté sur ma faim, un peu frustré par le manque ‘de gros son’ et de montée en puissance.

Cette fois, ils étaient tête d’affiche, dans cette petite salle qui pue la sueur, la bière et la pisse (tout ce qu’on aime non ?).

Pas de chichi, le groupe fait sa balance lui-même. Il n’y a pas de roadie (ou peut-être un ? occupé entre le groupe, les backstages, la console son et la billeterie). Du coup EHG enchaine directement : balance puis set. Original.

On est dans une lourdeur écrasante, avec un son doom et groove bluesy complètement déformé. Les morceaux sont slow-tempo et abrasifs. Quelques passages Punk-core vite enchainés avec de nombreuses syncopes qui déconstruisent tout début de structure ‘conventionnelle’ ou même de mélodie.

Mike Williams plutôt en forme harrangue le public, la section basse-batterie est impeccable et Jimmy Bower, envoie du gros riff en acier trempé.

Ca transpire de tout côté. Le set monte en puissance. C’est une épreuve auditive et un chaos musical (maitrisé) mais en ressent pleinement le côté poisseux, malsain et crasse de cette scène Sludge/ South métal de la Nouvelle Orléans.

Quelques morceaux forts du groupe s’étalent tout au long du concert : Take as needed for pain (opener), Medecine Noose, Blank/Shoplift (moment climax!), New Orleans is the new Vietnam, ou encore l’obsessionnel Every thing every day (qui vient conclure le show avant 3-4 rappels). On sent que le groupe prend du plaisir sur scène – le public lui rend bien en retour - et pousse au max la durée du concert.

Une vraie expérience. Et une autre forme d’énergie. Chaotique et nihiliste.

Environ 55 mintues de concert. On n’a pas besoin de plus. C’est efficace et ça doit se vivre dans cette dose/mesure. 

La scalle se vide, le public quitte le Glazart. Le groupe reste sur scène et démonte le matériel. Mike est souriant, discute avec quelques fans, regarde le public, sort 2-3 conneries. Jimmy Bower range tranquillement ses affaires, signe quelques autographes et s’assoit sur son ampli, une clope à la main, visiblement épuisé par le déluge sonore qu'il vient de nous envoyer.

 

  

Pas de grand cirque : juste un groupe à taille humaine, loin de la machine Down – qui sort son nouvel un album le 22 novembre prochain (avec Jimmy Bower à la Drum, je le rappel).

Je sors dans la grisaille et le froid de ce mois de novembre. Ma voiture est garée dans non loin de là dans cet horrible coin qu’est Porte de la Villette. Un retour à la réalité, juste après le chaos. 🤘

 

 

 

 

Faith No More 2027 : retour de Trey Spruance ?

...On dirait que oui au vue de la photo officielle du groupe paru sur X vers 19h en ce mardi 10 novembre.

Le line-up de l'album culte 'King for a Day, Fool for a lifetime' (1995) réuni. Ca fait plaisir.  

Tournée mondiale annoncée en 2027 (Festivals européens, USA, Brésil & Océanie).

Trey Spruance est aussi le guitariste-fondateur de Mr Bungle, l'autre groupe de Mike Patton devenu culte également.

Levee Walkers : le supergroupe oublié de Seattle (Pearl Jam, Guns N' Roses, Screaming Trees)

C’est l’histoire d’un supergroupe de luxe, né à Seattle, quasiment des ‘cendres’ de Mad Season : Barrett Martin batteur de Screaming trees annonce en juillet 2015 sur Facebook l'enregistrement de nouvelles chansons pour le ‘retour’ de Mad Season, avec Mike McCready (guitariste de Pearl Jam) et Duff McKagan (bassiste de Guns n’Roses). Cette collaboration a en définitive abouti à la formation d'un nouveau groupe appelé The Levee Walkers, qui a publié six morceaux entre 2016 et 2017 avant de disparaître presque aussi discrètement qu'il était apparu. Et pourtant, il y a quelques sacrées pépites à découvrir…

Le casting :

Mike McCready de Pearl Jam : guitare,

Duff McKagan de Guns ‘n Roses : basse 

Barrett Martin de Screaming Trees : batterie. 

La discographie :

Pour leurs trois singles doubles publiés entre 2016 et 2017, les Levee Walkers ont notamment fait appel à Jaz Coleman, le chanteur de Killing Joke, à la chanteuse portoricaine Raquel Sofía, puis au guitariste et chanteur américain Ayron Jones.

Six morceaux au total. 6 morceaux passés ‘sous les radars’. 6 morceaux variés, denses et complexes. 6 morceaux véritables mélange de Killing Joke, Pearl Jam et …de rock hispanique !  

 Mesdames et messieurs, voici un véritable petit trésor ! 

 Freedom Song / Tears for the West (2016) – avec Jaz Coleman (Killing Joke)

Freedom Song ouvre les hostilités avec un rock électrique, mid-tempo nerveux et massif. La voix caverneuse de Coleman apporte cette dimension post-punk et industrielle à l'ensemble. On est bel et bien sur le territoire Killing Joke, avec une petite touche grunge et un bridge totalement 'Led Zeppelinien'.

Mais c'est surtout Tears for the West qui retient l'attention. Plus lourd, plus lent, plus hypnotique, le morceau installe une atmosphère sombre et inquiétante. Un très beau morceau, qui donne au projet une vraie personnalité.

El Viento / Alma (2016) – avec Raquel Sofía

Changement d'ambiance pour le deuxième single ! Le trio fait cette fois appel à Raquel Sofía, chanteuse et compositrice portoricaine, pour une rencontre musicale assez surprenante. El Viento est un morceau upbeat énergique - non ce n'est pas du Shakira early days (avant 2000) - et oui, on est dans du Rock 100% hispanique plutôt gai et enjoué. Un peu daté néanmoins today.

Mais la véritable pépite de ce deuxième single, c'est Alma. Dès les premières notes, on retrouve une atmosphère beaucoup plus mélodique et aérienne.Et là, impossible de ne pas penser à Pearl Jam ! il y a du ‘Footsteps’, du ‘Hard To Imagine’, ‘Brother’, Agrémenté d’un petit piano à la The Rain Song de Led Zeppelin. Rien que ça !

Avec un chant en espagnol. Whaouu le mélange. Là pour le coup, on est plongé directement dans les 90ies.  

All Things Fade Away / Madness (2017) – avec Ayron Jones

Pour leur troisième et dernier single, on retrouve Ayron Jones au micro, jeune chanteur originaire de Seattle.

All Things Fade Away est une composition habitée, presque mystique par moments. La voix d'Ayron Jones apporte une dimension funk à un morceau qui se situe entre Rock et Soul.

Mais là encore, c'est le deuxième titre qui mérite une attention particulière : Madness.

Le morceau démarre sur une ambiance plus retenue, qui pourra rappeler musicalement Death Cab For Cutie, mais avec une voix roque, puissante et un peu cassée. C’est assez sombre et hypnotique. On sent une urgence et une trame mélodique assez prononcée.

On retrouve ici tout ce qui faisait le charme du Seattle Sound des années 90 : une certaine noirceur, des guitares épaisses, et cette capacité à faire sortir de ce mélange de l’émotion. Un titre magnifique, qui aurait parfaitement pu figurer dans le répertoire de Mad Season.

Pas le lien, pas de vidéo (elles sont rares ou quasi inexistantes!). C'est fou quand on pense à la qualité de certains morceaux, vraiment proche de Pearl Jam - par un membre de Pearl Jam (!). Je vous laisser aller les écouter sur vos plateformes préférées.

 

The Avalanches – 'No Bad Memories' : Review de l'album de la rentrée

Formé en 1997, The Avalanches est un groupe australien de musique électronique, pop et hip-hop. Pionnier et maître incontesté du plunderphonics, le groupe est mondialement célèbre pour son art du sampling intensif.

Avec leur quatrième album, No Bad Memories, dont le titre fait référence à un ancien slogan publicitaire pour des disquettes 5 pouces 1/4 (ci-dessous), les Australiens rendent hommage à la old tech des années 70, 80 et 90 : des sons d’ordinateurs aux jingles radio de l’époque, en passant par les bruitages d’appareils électroniques aujourd’hui obsolètes et des sound effects façon Microsoft ou Atari.

On retrouve également, dans ce disque fleuve, de faux spots publicitaires (comme Superfun!™ TV Spot ou Logoland) et, bien sûr, une multitude de samples vintage.

C’est riche, dense, extrêmement happy et, si le côté expérimental est toujours très présent, l’ensemble possède une homogénéité et une identité pop et groovy indéniable.

Un peu comme un mix entre M83, MGMT et Mr. Bungle, mais aussi Justice, Télépopmusik et Röyksopp.

L’album multiplie les escapades funk et hip-hop (Vida), soul (I Give Everything I Have 2 U) et club : version 80/90 avec Magic Wand, ou plutôt 2000/2010 avec Can’t Get Over Losing You.

Certains morceaux adoptent un format plus conventionnel, avec un potentiel de hits évident : Together, pour le dancefloor, ou Far Away, mélodique et trip-hop.

Côté collaborations, on retrouve Karen O (Yeah Yeah Yeahs), sublime sur Blue Shadows. Rivers Cuomo (Weezer) et Vegyn apparaissent sur All the Time in the World, tandis que Panda Bear (Animal Collective) apporte sa touche hypnotique à Highfield.

La légende Mike Patton (Faith No More / Mr. Bungle) s’improvise voix de publicité rétro sur Paradise Island, Superfun!™ TV Spot et Total Recall. Sur Superfun!™ TV Spot, il partage notamment l’affiche avec l’acteur Haley Joel Osment (Sixième Sens, vous vous souvenez ?), également présent sur El Dorado TV Spot.

Sans oublier la pionnière des synthétiseurs Suzanne Ciani, qui apporte sa touche à Our Love Is Alive, ou encore la chanteuse Carly Simon, invitée sur One More Fantasy.

C’est vraiment très frais, spontané et moderne, malgré ce concept nostalgique qui traverse plusieurs décennies, des années 70 aux années 2000.

En réalité, cet opus regorge de tubes en puissance. Si ça break, c’est le succès mondial et le statut culte assuré !

L’album est un véritable rayon de soleil. Tellement gai, tellement heureux. Il est dense, mais se déguste facilement. Court et digeste dans son format : 31 titres sur l’édition numérique, et on reste presque sur sa faim !

Pour moi, LA sortie de la rentrée.

Mes petites perles :

• Together : un hymne électro-pop.

• Far Away : superbe, vintage et nostalgique.

• Blue Shadows : une électro-pop nappée et laquée, portée par la voix de Karen O.

• I Give Everything I Have 2 U : un tube soul et R’n’B en puissance. Parfait pour la bande-son d’un Tarantino.

• All the Time in the World : optimiste comme du MGMT, avec de forts accents « Phoenixiens ».

• Highfield : intense et hypnotique.

• One More Fantasy : retour dans les années 80, entre BO de blockbuster et romans de Bret Easton Ellis. Mélodie imparable.

• Our Love Is Alive : du M83, avec le côté happy en plus.

• Total Recall : un véritable bordel « Pattonien », avec des interludes synthé en mode Jean-Michel Jarre sous amphétamines !

Black Hole Sun de Soundgarden : l’histoire d’un tube né à 4 heures du matin

Lorsque Soundgarden sort Superunknown en mars 1994, peu de gens auraient pu prédire que son troisième single deviendrait non seulement LE morceau emblématique de la carrière du groupe, mais aussi l’un des titres rock les plus marquants et les plus intemporels des 90ies. « Black Hole Sun » était à la fois psychédélique, sombre et mélodique. Elle ne ressemblait à aucune autre chanson de l’époque. Et c’est toujours le cas aujourd’hui.

Son clip surréaliste, peuplé d’images déformées – qui colle parfaitement à la chanson - devient incontournable sur MTV. Au fil des décennies « Black Hole Sun », acquiert un statut de chanson culte et dépasse aujourd’hui le milliard d’écoutes sur Spotify, ce qui en fait le seul titre de Soundgarden à avoir franchi ce cap. Son plus proche concurrent « Fell on Black Days », est encore loin derrière, avec plus de 284 millions d’écoutes.

Une chanson écrite à 4 heures du matin

Selon Chris Cornell, « Black Hole Sun » lui est venue dans sa voiture, au milieu de la nuit.

En 2007, dans l’émission The Howard Stern Show, il racontait : « J’étais dans une voiture, en train de rentrer chez moi, vers 4 heures du matin, quand j’ai écrit cette chanson. »

Le morceau lui serait apparu ‘en entier’ :« Tout était là, même le solo. » (!!!).

Terrifié à l’idée de perdre cette idée avant d’arriver chez lui, il fait tout son possible pour la conserver en mémoire pendant le trajet.

Une fois rentré, Cornell ne se précipite pas sur sa guitare ni sur un carnet : « … je me suis dépêché… J’essayais simplement de la faire tourner dans ma tête pour ne pas l’oublier… je l’ai sifflée et enregistrée sur un magnétophone — je ne l’ai jamais réécoutée, mais c’était au cas où je l’oublierais — et le lendemain, j’ai écrit les paroles. Mais j’avais déjà l’idée et tout le reste. »

De son propre aveu, cette cassette n’était qu’une assurance au cas où…

Il n’a finalement jamais eu besoin de s’en servir.

Le producteur qui a poussé Cornell à penser à lui

Mais un tournant s’était produit quelques semaines plus tôt, au début des sessions de Superunknown.

Dans une interview accordée en 2019 au podcast Produce Like a Pro, le producteur Michael Beinhorn se souvient d’un épisode révélateur survenu pendant la préproduction.

Cornell lui avait envoyé une démo contenant de nouveaux morceaux. Problème : aucun ne semblait fonctionner.

«Ca partait dans tous les sens» expliquait Beinhorn, « J’ai commencé à être vraiment nerveux. Je me suis dit : “Merde, nous sommes encore assez loin d’avoir ce dont nous avons besoin.” »

Il appelle directement Cornell. Le producteur identifie le problème de fond : ‘le chanteur cherche à composer pour plaire au public plutôt que pour lui-même’. Bizarre quand on connait un peu la réputation de Cornell, anyway…

« Pourquoi chercherais-tu à plaire à des gens avec lesquels tu n’as aucun lien dans la vie ?  C’est exactement l’inverse : ils sont déjà dans ton navire, inutile de les faire venir’.

Lorsque le chanteur cite les Beatles et Cream parmi ses influences favorites, Beinhorn l’encourage à composer dans cet esprit. Il lui rappelle une évidence : « Tu es Soundgarden. Toi et ton groupe, vous êtes Soundgarden. Quand vous jouerez cette chanson, elle sonnera comme du Soundgarden, parce que c’est VOUS qui la jouerez. »

Trois semaines plus tard, une nouvelle cassette arrive par courrier. Et, selon Beinhorn, la différence est nette.

« Le premier morceau de la cassette, c’est “Fell on Black Days”. Il y en a deux autres au milieu qui sont fantastiques, et la dernière…Dès les premières notes de ces arpèges, je me suis dit : “Mais qu’est-ce que je suis en train d’écouter ?!” Je n’avais jamais rien entendu de pareil. ». C’était ‘Black Hole Sun’.

En 1994, Chris Cornell expliquait déjà au magazine Melody Maker que la mélodie, d’une beauté presque trompeuse, dissimulait une profonde tristesse.

« J’écris mes meilleures chansons quand je suis déprimé », déclarait-il. « Personne ne semble comprendre cela, mais “Black Hole Sun” est une chanson triste. Comme sa mélodie est vraiment jolie, tout le monde pense qu’elle est presque joyeuse, ce qui est ridicule. »

Plus de trente ans après sa sortie, « Black Hole Sun » demeure l'un des hymnes les plus populaires et reconnaissables des années 1990.

Death Cab For Cutie à l’Elysée-Montmartre : setlist & review

 

Je rêvais de voir Death Cab For Cutie depuis que j’avais découvert le groupe, au milieu des années 2000, sur les radios américaines.

À l’époque, un peu lassé des ondes françaises, j’écoutais massivement les radios digitales US — KROQ, à L.A. ou celles de la côte Est comme WAAF. Qu’est-ce que j’ai pu y découvrir comme perles… Ah, ce n’est pas Oui FM !

J’avais notamment été scotché par Plans de Death Cab (2005) tout simplement sublime. Une perle.

Une sorte de Grace de Jeff Buckley pour les années 2000. Des chansons marquantes, un enchaînement tout en grâce — si je puis me permettre — et cette magie qui ressort parfois d’un disque, comme cela arrive rarement.

Alors forcément, ce samedi 3 octobre, quand Death Cab For Cutie revient en France pour défendre son nouvel album, I Built You a Tower, je veux être là. Je les avais toujours loupé.

Plus de place.

Je me pointe quand même devant l’Élysée-Montmartre et, miracle, je tombe sur un revendeur très sympa — big up à Adams — qui me vend une place à moitié prix, 20 minutes avant le concert !

Quel bonheur de retrouver l’Élysée-Montmartre

Quel bonheur aussi de revenir dans ma salle préférée. Ça faisait longtemps.

Et je n’ai pas tardé à retrouver les bonnes vieilles sensations : pouvoir se balader tranquillement le long des célèbres « poteaux », à droite ou à gauche, et se rapprocher au plus près de la scène…

Concernant le concert, première bonne surprise : le son est cri-sta-lin.

Propre, clair, précis, tout en restant puissant. Exactement ce qu’il fallait pour apprécier les subtilités du groupe.

Et puis Death Cab For Cutie m’a semblé en grande forme.

Ben Gibbard, la cinquantaine naissante, est affûté comme jamais. Et avec ses faux airs de Christopher Nolan, quelle transformation depuis les débuts du groupe !

Si, si… look (vers 2003) : 

Une énergie que je n’attendais pas

 Sur scène, je ressens immédiatement une vraie énergie, qui se décuple dès les premières mesures de The New Year, formidable morceau culte de Transatlanticism (2003), joué assez tôt dans le concert.

Je m’attendais à voir un groupe plutôt statique, en mode indie rock classique.

Pas du tout.

C’est même parfois limite du Pearl Jam de la grande époque : ça court aux quatre coins de la scène, ça bouge, ça joue avec une véritable envie.

Le concert monte progressivement en puissance, devant un parterre de fans majoritairement anglais et américains.

À côté de moi, un jeune Anglais d’origine indienne ou pakistanaise, sapé en jogging et casquette, chante toutes les paroles comme un fou.

Je trouve ça beau. Et touchant.

Pourquoi ? Je ne sais pas. Je ne l'attendais pas là ? Sensation stupide de ma part. Mais il me touche.

Ce genre de moment fait aussi partie d’un concert.

Puis Death Cab For Cutie commence à nous achever…

Et là, 4 morceaux assez fous s’enchaînent.

Le sublime What Sarah Said — j’ai versé ma petite larme tellement c’était beau.

Puis le populaire I Will Follow You Into the Dark, repris par toute la salle.

L’intense I Will Possess Your Heart et enfin le groovy-pop  Grapevine Fires qui, pour moi, nous fait atteindre un premier sommet émotionnel.

Et après ça, on ne redescend plus.

Mention spéciale évidemment aux « tubes » de Plans, Crooked Teeth et Soul Meets Body, eux aussi repris à pleins poumons par le public.

 

Un final bouleversant

Et puis arrive le rappel. Death Cab For Cutie nous offre quelques titres plus intimistes avant de repartir vers des envolées émotionnelles et épiques.

Le superbe Tiny Vessels notamment.

Puis Transatlanticism, évidemment.

Et ce refrain :

I need you so much closer…

Une façon bouleversante de terminer le concert.

Simple : je suis sorti heureux de ce concert.

Très heureux, même.

Après avoir attendu Death Cab For Cutie pendant près de vingt ans, je peux enfin cocher cette case.

Ca valait le coup d’attendre.

la setlist :  

• Riptides
• Roman Candles
• The New Year
• Punching the Flowers
• The Ghosts of Beverly Drive
• Black Sun
• I Built You a Tower
• Photobooth
• Pep Talk
• What Sarah Said
• I Will Follow You Into the Dark
• I Will Possess Your Heart
• Grapevine Fires
• Stone Over Water
• How Heavenly a State
• Cath...
• Crooked Teeth
• Trap Door
• You Are a Tourist
• Soul Meets Body

Encore :

• Title Track
• Marching Bands of Manhattan Transatlanticism
• Tiny Vessels
• Transatlanticis

 Et enfin, pour vous partager mes larmes, 'What Sarah Said' si vous ne la connaissez pas :